9 chefs-d'œuvre de la peinture surréaliste

1.La persistance de la mémoire, Salvador Dali
2.Les amants, René Magritte
3.Le Carnaval d'Arlequin, Joan Miro
4.Chant d'amour, Giorgio de Chirico
5.La Minotauromachie, Pablo Picasso
6.L'éléphant de Célèbes, Max Ernst
7.Le monde magique des Mayas, Leonora Carrington
8.Parade amoureuse, Francis Picabia
9.On time Off time, Dorothea Tanning

 

L'une des œuvres les plus connues de Salvador Dali est sans aucun doute ce tableau intitulé "La persistance de la mémoire" ou "Les montres molles".
Peint en 1931, cette peinture mondialement célèbre nous offre une ambiance onirique et étrange, comme la plupart des œuvres de l'artiste espagnol. L'impression d'un grand espace désertique, avec peu d'éléments ou de détails, s’oppose à la petite taille du tableau, qui mesure à peine 30 cm de long.

Mais ce sont les montres molles qui ont fait de ce tableau un véritable chef-d'œuvre.
Connues dans le monde entier, ces montres ramollies évoque le temps, le rêve et la mort.
Dans ce tableau, la finitude humaine se confronte à l'infini du temps et à son caractère irréversible, qui coule indéfiniment.
Entre rêve et mort, finitude et immortalité, ce tableau ne cesse de faire parler de lui et d'être une référence dans l'histoire de l'art du XXe siècle.

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Réalisé en 1928, ce tableau de René Magritte est conservé au MoMA de New York.
On remarque deux personnages, un homme et une femme qui s'embrassent, mais dont le visage est caché par un voile blanc.
Ce motif se retrouve dans d'autres tableaux de l'artiste et suscite plusieurs interprétations.
On peut imaginer que cette œuvre surréaliste signifie que les amants n'ont pas besoin de voir pour s'aimer, que l'amour est aveugle ou que la vue n'est nullement importante dans l'amour, qui se vit avec le cœur.
Cette toile illustre bien le rapport entre peinture et psychanalyse dans le surréalisme et les diverses interprétations qu'il est possible de faire selon le point de vue et les concepts utilisés.
 

 

Cette peinture surréaliste est importante dans l'œuvre de Joan Miró. Réalisée entre 1924 et 1925, elle est présentée à l'exposition collective surréaliste à la galerie Pierre à Paris.
Aux côtés des grands noms du mouvement surréaliste (de Chirico, Picasso, Man Ray, Paul Klee et Max Ernst), Joan Miró obtient un franc succès. Avec cette peinture, Miro est à l'apogée de sa période surréaliste.

La composition représente une hallucination de l'artiste lorsqu'il vivait une période économiquement difficile et qu'il subissait la faim.
Miró parle de "transe", plutôt que de "rêve" et il peint sur la toile une foule de détails et un désordre d'éléments symboliques.
 

Conservée au MoMA de New York, l'œuvre "Chant d'amour" de Giorgio de Chirico est une peinture surréaliste réalisée en 1914.
L'artiste italien est un des précurseurs du mouvement surréaliste en peinture.
Bien qu'elle fût peinte dix ans avant la publication du Manifeste surréaliste de Breton, cette toile participe au surréalisme de par ses éléments, sa composition et son interprétation possible.

On y aperçoit une tête de sculpture antique, un gant de caoutchouc et un élément arrondi qui ressemble à une balle verte.
Cette association d'objets incongrus est proprement surréaliste.
Nous sommes face à une composition mystérieuse et impénétrable.
De Chirico peint l'esprit, la conscience et la pensée, ce pourquoi on parle de "peinture métaphysique" pour le définir.
 

La "Minotauromachie" est une eau-forte réalisée en 1935 par Picasso.
Cette œuvre fait partie de la période surréaliste de l'artiste.
La figure récurrente du Minotaure est représentée au sein d'une composition chargée.
On remarque une jeune fille tenant un bouquet de fleurs et une bougie face au minotaure, dont l'expression est agressive.
Une femme se trouve entre les deux figures, allongée sur une jument blessée.
Enfin, un homme monte sur une échelle à gauche de la composition.

L'interprétation de cette œuvre est complexe. Les symboles sont nombreux et ne sont pas simples à déchiffrer.
Elle appartient aux œuvres de Picasso dont le sujet principal est la figure mythologique du minotaure, qui est un thème majeur des années 1930 dans l'immense production de l'artiste. Ce tableau est souvent présenté comme le précurseur d'une œuvre plus célèbre : Guernica, peinte en 1937.
 

Ce tableau est peint en 1921 par l'artiste allemand Max Ernst.
C'est une des premières peintures du mouvement surréaliste après Chirico.
Avec son atmosphère étrange et ses collages, l'œuvre est à la fois surréaliste et dadaïste.
C'est le poète Paul Eluard qui achète le premier cette peinture à l'artiste. Ici, la figure de l'éléphant est mécanique et évoque une structure architecturale industrielle. Ernst joue avec la réalité et invente de nouvelles images, jusqu'alors inconnues.
Nos repères sont brouillés. Comme beaucoup de tableaux surréalistes, des éléments sont juxtaposés les uns aux autres sans ordre ni logique.
On comprend l'influence de la théorie psychanalytique de la libre association et l'importance du rêve dans le surréalisme.
 

Leonora Carrington est une des plus grandes femmes peintres du surréalisme.
On commence, peu à peu, à s'intéresser à l'influence et à la participation des femmes dans le mouvement surréaliste.
Carrington a réalisé de nombreuses toiles surréalistes, dont "Le monde magique des Mayas" pour le Musée national anthropologique de Mexico, entre 1963 et 1964.
Frôlant le fantastique, l'artiste associe de nombreux symboles mayas et juxtapose les références à cette civilisation disparue.
Il en résulte une toile énigmatique, fascinante et presque effrayante.

Ses autres œuvres mettent souvent en scène des figures féminines, loin des clichés de l'époque et de l'image de la femme comme objet de désir.
 

Francis Picabia a fait partie des grands artistes surréalistes. Son oeuvre "Parade amoureuse", réalisée en 1917, est une des premières du courant surréaliste.
Elle fait partie des œuvres dites "mécaniques" de l'artiste français.
Le titre, qui suggère un acte de séduction biologique (humain ou animal), est en contradiction avec ce qui est représenté sur la toile.
En effet, on aperçoit une sorte de machine et des morceaux mécaniques non-identifiables, liés par des bras métalliques, au centre de la toile.

L'oeuvre "On time Off time" est réalisée en 1948 par Dorothea Tanning, une grande artiste peintre féminine du XXe siècle.
Avec "Une douce musique de nuit", cette peinture fait partie de ses plus connues. Mariée avec Max Ernst, l'artiste est longtemps restée dans l'ombre avant d'être réhabilitée ces dernières années.
Des thèmes reviennent fréquemment dans son œuvre surréaliste : angoisses, hallucinations, peurs d'enfance, fantasmes, espaces clos, etc.

Dans cette œuvre, Dorothea Tanning évoque un monde onirique et étrange, cerné de portes et de cadres en bois qui délimitent un espace inconnu et hermétique à toute explication rationnelle.