La minute art
Les 5 plus beaux tableaux de Frida Kahlo
- 10/02/2023
frida kahlo: Autoportrait au collier d’épines et colibri
La peinture de Frida Kahlo nommée “Autoportrait au collier d’épines et colibri”, réalisée en 1940, est un des tableaux les plus connus de l’artiste. Cette œuvre majeure représente l’artiste de face, entourée d’un singe à sa droite et d’un chat noir à sa gauche.
Elle porte un collier d’épines qui percent son cou et lui retire quelques gouttes de sang, où pend un colibri mort.
L’artiste revêt une tenue traditionnelle mexicaine. Le tableau est exposé dans les collections du musée des Beaux-arts de Boston.
Elle porte un collier d’épines qui percent son cou et lui retire quelques gouttes de sang, où pend un colibri mort.
L’artiste revêt une tenue traditionnelle mexicaine. Le tableau est exposé dans les collections du musée des Beaux-arts de Boston.
Que signifie ce tableau ?
Frida a souhaité représenter la douleur ressentie suite à sa séparation avec le peintre Diego Rivera. Les deux artistes divorcent en 1938 et se remarient en décembre 1940.
Ce divorce est très dur à vivre pour Kahlo, qui peint plusieurs tableaux sur le thème de la déchirure amoureuse.
Le colibri (mort) représente la chance, définitivement perdue. Le chat noir, signe de malchance, cherche à attraper l’oiseau, pour le manger ou le blesser davantage. Tandis que le singe, dans la symbolique chrétienne, est associé au diable.
L’artiste représente son ex-mari, Diego, à travers le primate qui est en train de nouer le collier d’épines autour de son cou, dans une attitude d’indifférence face à la douleur qu’elle ressent.
Ce divorce est très dur à vivre pour Kahlo, qui peint plusieurs tableaux sur le thème de la déchirure amoureuse.
Le colibri (mort) représente la chance, définitivement perdue. Le chat noir, signe de malchance, cherche à attraper l’oiseau, pour le manger ou le blesser davantage. Tandis que le singe, dans la symbolique chrétienne, est associé au diable.
L’artiste représente son ex-mari, Diego, à travers le primate qui est en train de nouer le collier d’épines autour de son cou, dans une attitude d’indifférence face à la douleur qu’elle ressent.
Alie Loizel
Frida #9
19 x 19 cm359 CADSchroeder Virginie
Frida
36 x 36 cm999 CAD
Geiry
Frida
80 x 80 cm3,839 CADGeiry
Frida
19 x 19 cm359 CADWawapod
Mona frida
36 x 36 cm999 CADMestres Sergi
Frida
50 x 100 cm2,999 CADWawapod
Le regard de Frida / Black
13 x 13 cm239 CADRyder Susan
Frida and Ferns
25 x 25 cm589 CADBoycheva Martina
A Bouquet of Joy
19 x 19 cm359 CAD
LES DEUX FRIDAS, 1939
“Les deux Fridas” ou “Double autoportrait” est une peinture réalisée en 1939, suite à sa séparation d’avec son mari Diego Rivera.
Kahlo vit très mal cette séparation qui la plonge dans un profond désarroi.
Dans ce tableau, Frida Kahlo représente deux Fridas qui se tiennent main dans la main, mais qui n’ont pas la même attitude ni le même aspect physique.
À gauche, l’artiste est habillée élégamment avec une robe blanche traditionnelle, proche d’une robe de mariée.
Elle est maquillée et se tient droite. Sur sa poitrine, on aperçoit très son cœur, exposé hors de son corps par une déchirure, et dont deux veines sont visibles.
La robe est tachée de sang qui provient d’une veine.
À droite, l’artiste est vêtue d'une Tehuana, une robe traditionnelle du Mexique.
Son visage est coloré, sans aucun maquillage.
Elle adopte une allure masculine par sa position (jambes écartées) et avec une moustache visible.
Son cœur est intact. Une artère relie les deux Fridas, où celle de gauche tient en vie grâce à celle de droite.
Cette peinture est une tentative de reconnexion et de réconciliation de l’artiste avec elle-même suite à sa rupture.
À gauche, l’artiste est habillée élégamment avec une robe blanche traditionnelle, proche d’une robe de mariée.
Elle est maquillée et se tient droite. Sur sa poitrine, on aperçoit très son cœur, exposé hors de son corps par une déchirure, et dont deux veines sont visibles.
La robe est tachée de sang qui provient d’une veine.
À droite, l’artiste est vêtue d'une Tehuana, une robe traditionnelle du Mexique.
Son visage est coloré, sans aucun maquillage.
Elle adopte une allure masculine par sa position (jambes écartées) et avec une moustache visible.
Son cœur est intact. Une artère relie les deux Fridas, où celle de gauche tient en vie grâce à celle de droite.
Cette peinture est une tentative de reconnexion et de réconciliation de l’artiste avec elle-même suite à sa rupture.
Autoportrait à la frontière entre le Mexique et les États-Unis
Cette peinture de 1932 est incontournable dans l'œuvre de l’artiste mexicaine.
Dans ce superbe tableau Frida Kahlo représente son vécu et ses expériences personnelles.
En 1930, Frida suit son mari qui part aux États-Unis, à San Francisco, pour réaliser des fresques.
Contrairement à lui, elle n’apprécie guère l’atmosphère et le mode de vie américain, dont les habitudes et les coutumes sont trop éloignées de sa culture.
Ce tableau représente le dégoût et la lassitude de l’artiste pour les États-Unis. Elle se représente elle-même entre les deux pays, le Mexique à gauche et les États-Unis à droite. Du côté des États-Unis, on y voit l’usine Ford de River Rouge, symbole de l’industrialisation, le drapeau américain au cœur de la fumée des usines, des buildings et des symboles de l’évolution technique et moderne.
La terre semble stérile, desséchée et les racines des végétaux sont remplacées par des câbles électriques.
À gauche, l’artiste représente le Mexique, son pays natal. La nature est florissante et on aperçoit des symboles de l’ancien Mexique, des ruines et des objets aztèques. L’artiste se tient debout entre les deux mondes et tient un drapeau mexicain, pour signifier son grand attachement à ses racines.
La colonne brisée, 1944
La peinture “La colonne brisée” est réalisée en 1944. Cet autoportrait nous montre l’artiste de face, debout au milieu d’un paysage aride et stérile, la poitrine nue et serrée par un corset blanc. L’impression est dérangeante et le tableau est dur à regarder.
Le corps de l’artiste est parsemé de nombreux clous, ouvert en deux pour apercevoir une colonne vertébrale faite d’acier et brisée à plusieurs endroits. De grosses larmes coulent des yeux de Kahlo, dont le regard est fixé sur le spectateur.
Parmi les nombreux autoportraits de Kahlo, celui-ci est particulièrement fort et touchant.
La souffrance qui émane de l'œuvre est palpable, en même temps qu’on discerne la force et la fierté qui permettent à l’artiste de tenir le coup.
Cette œuvre fait écho à l’accident de bus survenu en 1925, alors que l’artiste n’a que 18 ans et qui lui laisse des séquelles graves pour le reste de sa vie. Même si l'œuvre est remplie de symboles, Kahlo se défend d’être surréaliste : elle ne peint pas des rêves, elle peint sa vie et ses expériences personnelles, celles d’une femme souffrante et brisée qui ne peut que se battre pour vivre.
Le corps de l’artiste est parsemé de nombreux clous, ouvert en deux pour apercevoir une colonne vertébrale faite d’acier et brisée à plusieurs endroits. De grosses larmes coulent des yeux de Kahlo, dont le regard est fixé sur le spectateur.
Parmi les nombreux autoportraits de Kahlo, celui-ci est particulièrement fort et touchant.
La souffrance qui émane de l'œuvre est palpable, en même temps qu’on discerne la force et la fierté qui permettent à l’artiste de tenir le coup.
Cette œuvre fait écho à l’accident de bus survenu en 1925, alors que l’artiste n’a que 18 ans et qui lui laisse des séquelles graves pour le reste de sa vie. Même si l'œuvre est remplie de symboles, Kahlo se défend d’être surréaliste : elle ne peint pas des rêves, elle peint sa vie et ses expériences personnelles, celles d’une femme souffrante et brisée qui ne peut que se battre pour vivre.
Le cerf blessé : Frida Kahlo
Le tableau ne mesure que 22,5 x 30 cm. L’ambiance créée est étrange, presque fantastique et intime. Il y a un échange visuel avec le cerf, dont le corps est reproduit fidèlement, mais dont les traits du visage sont ceux de l’artiste, et qui regarde fixement le spectateur de face dans une attitude stoïque.
Le visage de l’artiste est facilement reconnaissable, par ses sourcils épais, ses yeux et ses cheveux très bruns. Le cerf est blessé par plusieurs flèches qui lui transpercent le dos et la poitrine. Il est au milieu d'un bois effrayant, seul avec sa douleur.
Dans cette peinture Frida Kahlo représente l’intervention chirurgicale qu’elle a subie cette même année à New York, pour tenter d’apaiser ses douleurs au dos (suite à son grave accident survenu en 1925).
Convaincue que la douleur cesserait après l'intervention, Frida est déprimée quand elle se rend compte que l’opération a échoué et que les douleurs reviennent. Ce tableau représente la détresse et la souffrance physique et psychique de l’artiste qui comprend que rien ne pourra jamais la soulager.
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